Que seja erradicado definitivamente o preconceito ao termo melodrama no cinema. E que se embarque nas emoções e na universalidade dos dramas e paradoxos humanos.  Se todas as histórias se parecem no teatro, na ópera, no cinema e na dança, a maneira de contá-las e de tocar o coração do público será o contraponto a todas as convenções.

Assim, unir texto e música para se contar uma história gerando uma catarse emocional na plateia e abrangendo o maior número possível de espectadores de todos os segmentos sociais e formações intelectuais é mérito de alguns grandes mestres, como o alemão Hans Detlef Sierck, mais conhecido como Douglas Sirk.

Tendo iniciado sua atuação artística no teatro alemão nos anos 20, e tendo dirigido alguns filmes em seu país de origem, logo teria de fugir de um contexto que se anunciava fúnebre com a ascensão do nazismo já nos anos 30. Casado com uma atriz judia e ele mesmo antinazista, tratou de se instalar a partir de 1937, nos Estados Unidos onde começou sua frutífera e apaixonante parceria com os grandes estúdios americanos.

O diretor Douglas Sirk, em 1943. Cineasta ganha mostra em São Paulo (Foto: AFP/The Kobal Collection)

Histórias de amor, encontros, separações, vida e morte, a guerra e suas feridas, seres desesperados e apaixonados lutando contra as imposições sociais, remorsos e redenções, relatos embalados por uma música sempre grandiosa e expressiva, melodias que arrebatam e embalam o espectador numa onda sem freios em direção à suas mais recônditas emoções.

Desta forma, a conotação mais popular se impõe, entenda-se popular como sendo a capacidade de se comunicar com uma parcela cada vez maior de espectadores em toda a sua diversidade, formando um paladar visual irreversível. A barreira entre o erudito e o popular é, em Sirk, rompida, unindo os seres a partir de tudo o que possuem em comum.

São os sentimentos universais, aliados a uma ideologia libertária que irão nortear o universo cinematográfico deste grande expoente do melodrama. Não por acaso iria influenciar em séculos vindouros, criadores como o espanhol Pedro Almodóvar e o alemão Rainer Werner Fassbinder, cineastas que não se furtam a pintar com cores fortes a frágil condição humana, seja pelo viés do drama ou da comédia.

Dorothy Malone e Rock Hudson em cena do longa "Almas Maculadas" (Foto: Divulgação)

Douglas Sirk: Príncipe do Melodrama é a importante mostra que os curadores Pedro Maciel Guimarães e Cassio Starling Carlos organizaram nas unidades do CCBB (Centro Cultural Banco do Brasil) de São Paulo, Rio de Janeiro e Brasília.

Em 29 filmes, grandes clássicos como Sublime Obsessão, Palavras ao Vento, Tudo o que o Céu Permite, Imitação da Vida, Amar e Morrer, A Agonia de Uma Alma, se unem a filmes jamais ou pouco  exibidos em circuito comercial e é possível observar o tipo de interpretação que caracteriza o melodrama.

Todos os personagens tem um segredo, há sempre pausas quase que imperceptíveis nos diálogos, olhares furtivos, ocultando um passado, uma história de vida, uma riqueza interior inerente a cada um. Rock Hudson, Lana Turner, Robert Stack, Dorothy Malone, Jane Wyman, Barbara Stanwyck, Barbara Rush, Fred MacMurray, embalados pelas trilhas sonoras dos compositores Frank Skinner, Miklos Rozsa, Joseph Gershenson entre outros  em apuradas produções de Ross Hunter.

Cena de 'Recomeçar a vida', filme que está na programação da mostra (Foto: Divulgação)

Os títulos em português anunciam já a grandiloquência das obras como que dando um aval para que o espectador se abandone ao que sente, na sala escura, perdendo completamente e sem pudor, o medo da emoção.

Em São Paulo, até 10 de junho, e no dia 30 de maio às 10h, o crítico Cassio Starling Carlos e cocurador da mostra irá ministrar a aula De Sierck a Sirk, da UFA a Hollywood com projeções inéditas de trechos do grande cineasta.

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Tags: cinema, diretor, Douglas Sirk, melodrama

Não fez o esperado sucesso por aqui este novo filme de ação do sempre eficiente Jason Statham (meu favorito astro do gênero, até porque ser carequinha, ter cara de gente e não de galã e sempre manter um senso de humor).

Na verdade, este aqui não é muito diferente de outros que têm a mesma velha trama: um sujeito desiludido e infeliz, a beira do suicídio, que resolve salvar uma criança que está em pior estado que ele, no caso uma menina chinesa genial capaz de decorar instantaneamente números e contas.

Por isso ela foi sequestrada por uma quadrilha mafiosa e está sendo utilizada num esquema para assim não correr risco ao guardar a senha de dois cofres cheio de dinheiro e segredos.

Claro que isso tudo - como diria Hitchcock - não passa de um McGuffin, uma desculpa para ter toda aquela perseguição de carros e metrô (ao menos uma sequência em que Jason vai pulando nos trens, fazendo surfe como dizem no Rio, é muito bem realizada).

O resto também não compromete, é ação e cumpre sua função, sem esquecer de denunciar os policiais corruptos de Nova York (segundo o filme praticamente todos) e os próprios governantes (o veterano Chris Sarandon, ex-marido de Susan, faz o governador).

E sem esquecer as duas máfias que ficam se matando entre si, a chinesa e a russa (não se menciona o tradicional italiana).

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The Flowers of War

China, 11. Direção de Zhang Yimou. Com Christian Bale, Ni Ni, Zhang Xinyi, Paul Schneider, Tong Dawei, Atsuro Watabe, Shawn Dou e Yuan Nie. 146 min.

Pouca gente lembra ou sabe que houve uma guerra entre Japão e China na época em que os militaristas belicosos do Japão estavam querendo se expandir (e que eventualmente resultaria em Pearl Harbor). E que por causa disso, os chineses até hoje ressentem e não gostam dos japoneses (que também ainda não reconheceram direito seus erros e exageros).

Não foi só a guerra, mas por causa do comportamento sanguinários dos invasores, que mataram e estupraram sem dó ou piedade. Quem pesquisar irá encontrar tragédias horríveis e injustificadas, ainda pouco conhecidas no resto do mundo.

Acho que não existe no Oriente no momento um diretor do porte de Zhang Yimou, que é amigo de Spielberg (ajudou na realização dos shows de abertura e encerramento das Olimpíadas e foi quem indicou Christian Bale para o papel de americano envolvido na história).

O longa, que é uma coprodução com os EUA, foi o indicado oficialmente pela China para o Oscar de filme estrangeiro e durante anos fez filmes belíssimos de arte (como Lanternas Vermelhas) que eram perseguidos pela censura.

Até que um dia se cansou e passou a realizar aventuras (O Herói é uma obra-prima e um dos meus filmes preferidos) e montagens de ópera, usando seu domínio técnico (ele foi antes fotógrafo) e bom gosto. Aqui Yimou retorna ao tema do que foi justamente seu primeiro longa como realizador, Sorgo Vermelho (87), que passou aqui faz tempo e está esquecido.

Mas já era uma denúncia muito chocante dos fatos até então pouco divulgados. Um detalhe curioso é que Yimou selecionou uma cineasta da Palestina para fazer estágio na produção, na rodagem e pós-produção, Annemarie Jacir. Esteve em produção por 164 dias, em que se trabalhava 18 horas por dia.

Ele retorna ao assunto agora se fixando no chamado Estupro de Nanking (a cidade que inventou a tinta famosa), que aconteceu em 1937,  na chamada Segunda Guerra Sino Japonesa, um agente funerário John (Bale) que chega a uma igreja católica na cidade para fazer o enterro de um padre. Mas acaba sendo o único ocidental num convento onde está um grupo de estudantes e também de prostitutas fugitivas de um bordel. Sem querer, é obrigado a se vestir de padre e de servir de involuntário protetor dessas jovens, diante das investidas dos invasores japoneses.

Feito com a habilidade habitual do realizador (enquadramentos precisos, belos movimentos de câmera, figurino muito elaborado, utilização estética das cores,) o roteiro acaba sendo um pouco previsível. Já é velho clichê do cinema a figura do homem sem fé ou bandeira, que se entusiasma por uma causa que o leva ao heroísmo e sacrifício como é o caso de John, ou a redenção (como as prostitutas).

 Talvez seja esse o problema que impediu o filme de ter maior repercussão pelo mundo (seu prêmio mais notável é uma indicação ao Globo de Ouro). Vocês devem se lembrar de que o próprio Bale teve problemas com o governo da China que acabou declarando ele pessoa não desejável quando assumiu a defesa de um contestador (se esquecendo que lá é uma ditadura comunista).

O New York Times chegou a dizer que o filme parece “um musical backstage- passado nos bastidores - que de vez em quando é interrompido por um desagradável estupro ou assassinato”. E o classifica como um blockbuster de atrocidades na linha de Galipoli e E o vento Levou. Inclusive por causa de sua longa metragem.

Concluindo que há uma desproporção entre os eventos e o tratamento distanciado que o diretor dá ao assunto e sua recusa de assumir um ponto de vista. Eu diria mais, sua indignação, o próprio terror da violência. Prendendo-se mais ao melodrama e o fotogênico.

Ainda assim, os que desconhecem os fatos podem e devem conhecer o filme. Nem que seja como lição de historia. Ah, Bale como sempre está tenso e revoltado, naquele tom que já conhecemos.

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Tags: cinema, estreia, filme, Flores do Oriente, The Flowers of War

Hasta La Vista! Venha como você é (Hasta la Vista!). Bélgica, 2011. Direção de Geoffrey Enthoven.Com Tom Audenaert, Isabelle de Hertogh, Gilles de Schrivjer, Kimke Desart, Johan Heldenbergh, Karlijn Sileghem.

Este foi o filme indicado oficialmente pela Bélgica para o Oscar de produção estrangeira e como sempre eles não sabem escolher ou votar. Deixaram passar esta comédia divertida e diferente, que pega um tema difícil e consegue atingir o público. A primeira vista pode assustar, mas começou a funcionar no Festival de Montreal quando ganhou tanto o Prêmio do Júri quanto do público e o da crítica.

Esta é a história de três jovens que têm formas diferentes de deficientes, são aquilo que politicamente correto se chama, pessoas com necessidades especiais. Eles suportam suas dores e pesares, mas tem uma mágoa que não conseguem esconder: o fato de nunca terem transado antes e provavelmente nunca conseguirão fazer isso. Então planejam uma road trip, uma viagem para perderem a virgindade justamente na região de vinhos da Espanha.

A história é vagamente inspirada numa pessoa real Asta Philpot, um americano que vive na Inglaterra e luta pelos direitos sexuais do que tem alguma desvantagem. Os três heróis são amigos num subúrbio e ficam isolados por suas diferenças. Josef (Tom Audenaert) é quase completamente cego. Philip (Robrecht Vanden Thoren) é um paraplégico infantilizado que gosta de brincadeira. Também na cadeira de rodas está Lars (Gilles De Chryver), que tem uma doença degenerativa e mortal que está lhe causando paralisia e crises.

Todos ainda vivem com os pais e necessitam de assistência permanente, embora sonhem com a independência.  Quando ouvem falar de um bordel espanhol decidem fazer a viagem sozinhos. A família naturalmente não gosta da ideia, mas concordam quando uma enfermeira/motorista é contratada (embora ela seja masculinizada e de pouca conversa, Claude Isabelle de Hertogh). A situação se torna urgente quando Lars descobre que tem pouco tempo de vida.

E lá vão eles, entre confusões e conflitos, trapalhadas meio pastelão mascarando a gravidade da situação no que é certamente a única e maior viagem de  suas vidas. E chega de contar a história. Basta dizer que o filme consegue convencer com sua difícil tarefa, sem condescendência, com humor digno e responsável. Ainda que polêmico. O elenco é bom e tudo funciona. O filme tem muita chance de conquistar um espaço com o público mais aberto e disponível.

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Men in Black III EUA, 2012. Direção de Barry Sonnenfeld. Com Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Emma Thompson, Jemaine Clement, Alice Eve, David Rasche, Bill Hader, figurações de Tim Hunter, Justin Bieber, Michael Stuhlbarger. Sony.

Dez anos depois do Homens de Preto 2 (2002) e quinze após o primeiro (1997), chega finalmente o terceiro capítulo e a verdade é que ninguém estava especialmente ansioso por sua chegada.

A boa notícia é que ele é bem menos ruim do que o anterior, já que a lembrança que ficou dele é a de um filme completamente equivocado. Mas também não é nenhuma maravilha.

É relativamente curto, razoavelmente engraçado e totalmente descartável. Não ofende, mas não traz nenhuma razão particular para ser visto. Mesmo com alguns monstros vomitando na tela do 3D.

Will Smith (Agente J) ao menos parece esforçado em conseguir alguma graça de um roteiro medíocre que descarta o Agente J, Tommy Lee Jones para um segundo plano, já que é todo em cima de uma viagem no tempo.

Ele tem que viajar até 1969 para corrigir um erro e modificar o passado e assim impedir que a Terra seja destruída por uma invasão de ETs de um planeta belicoso (que não é das histórias mais novas já vistas).

A novidade é o K é interpretado por outro ator, que o faz mais jovem, Josh Brolin, uma discreta e convincente imitação de Jones (Brolin é um bom ator mas de carisma zero). Enquanto isso está solto um supervilão Boris, o Animal (Clement) que inicia o filme fugindo da prisão na Lua.

De qualquer forma, tem as velhas citações de Ets que fazem se passar por humanos (entre eles, Lady Gaga, Tim Burton, Justin Bieber) e a novidade seria brincar com algumas citações de época (na verdade lembrando um pouco Sombras da Noite de Burton que estreia em breve que acontece no começo dos anos 70).

Como uma visita à The Factory de Andy Warhol (feito por Bill Hader). Mas em geral é um desperdício de elenco, porque eles tem muito pouco a fazer, e isso, infelizmente, inclui a ótima Emma Thompson que está perdida como a chefe da organização.

Smith não fazia um filme há tempos, há três anos e meio desde o mal-sucedido Sete Vidas (08) e Spielberg continua assinando a coprodução pela produtora Amblin (e a gente sente sua mão, ou sua digital, na resolução da história que cai no sentimentalóide tão caro a ele).

Embora seja fácil de ver e as pessoas estejam nostálgicas e com certa boa vontade, não me convenceu ou e entusiasmou.

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Já foi ate o primeiro lugar de bilheteria e continua a fazer sucesso.

É uma comédia romântica para o público black americano e vocês não imaginam como eles riem. Um delírio. Acho que encontraram a fórmula de se dirigir aos negros (que tradicionalmente são os que vão mais ao cinema, quero dizer, veem filmes com mais frequência que os brancos e muito mais que latinos que pelo jeito não tem grana para isso).

O filme tem um elenco de mulheres e rapazes negros, todos simpáticos e atraentes, bem vestidos, bem situados na vida. E no mix tem dois brancos (mas homens, mulher não). Acho que o mérito é do competente diretor Tim Story, que além de fazer filmes de ação como Quarteto Fantástico I e II, realizou os pioneiros Salão de Barbeiro e Táxi.

Além disso o roteiro é muito bem armado numa adaptação de um livro real de conselhos para mulheres, ou seja, auto-ajuda, onde o autor ensina literalmente a pensar mais como homem e ainda evitar as ciladas como que homem detesta.

Naturalmente o filme é episódico, com historinhas paralelas, e embora destinado ao público feminino os homens participam e se divertem.

Como vocês sabem no Brasil há um tradicional preconceito com filmes desse gênero que não passam em salas e vão direto para home vídeo. Não dos exibidores mas do próprio público. Só funcionavam quando é comédia com Eddie Murphy ou Whoopi Goldberg. Seria bom que isso mudasse.

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De todos os grandes atores da Inglaterra, e eles foram muitos, o maior de todos foi sem dúvida é Laurence Olivier. A opinião não é minha, mas um consenso geral, até pelo fato de que foi o único deles que ganhou não apenas o titulo honorário de Sir mas também o muito mais raro de Lord Laurence Olivier. Não há duvida, porém, que ele era maior no palco, no teatro, do que no cinema. Mesmo sendo superpremiado e respeitado. Seu estilo de representar era por vezes exagerado, anti-natural. Gostava de usar maquiagens e sotaques extravagantes, ficar diferente. Talvez fosse até um pouco canastrão, principalmente no fim de carreira, quando trabalhava para ganhar dinheiro para sustentar os filhos. Mas como se pode ver no filme Sete Dias com Marilyn, onde ele é vivido por Kenneth Branagh (aliás, uma perfeição) ele era vaidoso e complicado, mas também uma lenda viva. Não é a toa que o Oscar do teatro inglês leva o seu nome, The Olivier.

O Festival do TCM dura apenas um dia.

ESPECIAL LAURENCE OLIVIER – Terça-feira, dia 22 de maio

14h30* - Hamlet (Idem, 1948, classificação indicativa livre)

17h* - O Príncipe Encantado (Prince & The Showgirl, 1957, classificação indicativa livre)

22h* - Maratona da Morte (Marathon Man, 1976, classificação indicativa 14 anos)

Hamlet/Idem, Ano: 1948. PB. 153 min. Diretor: Laurence Olivier Elenco: Laurence Olivier, Basil Sydney, Jean Simmons, Eileen Herlie, Norman Wooland, Peter Cushing, Anthony Quayle, Felix Aylmer, John Gielgud, Christopher Lee, Desmond Llewelyn.

Sinopse: Hamlet, filho do Rei da Dinamarca, recebe a visita do fantasma de seu pai que lhe conta que foi assassinado. Finge-se de louco num plano complicado de vingança.

Comentários: A mais famosa versão da obra de Shakespeare (o site IMDb registra cerca de cinqüenta versões!), vencedora dos Oscars de Melhor Filme, Ator, Direção de Arte e Figurinos (também concorreu como Direção, Coadjuvante – a jovem Jean Simmons, adorável como Ofélia, e Trilha Musical). Olivier que já era na época o maior ator shakespeariano do teatro, rodou propositalmente em preto e branco, cortando grandes trechos do texto (que teria por volta de cinco horas se fosse completo). Assim, Horacio vira ponta, Rosencrantz, Guilderstein e Fortimbrás são totalmente eliminados. Os cenários são planejados como uma abstração, há um mínimo de objetos em cena e móveis. Os figurinos não marcam bem uma determinada época. Olivier utiliza muito a profundidade de campo, movimenta sua câmera através de corredores misteriosos. Na hora dos monólogos, alterna soluções, e, às vezes, utiliza a chamada “voz interior”. Em outros, ele mesmo fala. A parte mais discutível é o próprio Olivier: ele é velho para o papel, composto e pedante demais. Mas como síntese de um clássico, o filme impressiona, envolve e até emociona. Ainda é melhor do que as versões com Mel Gibson e Kenneth Branagh.

O Príncipe Encantado/The  Prince and the Showgirl. 1957. Diretor: Laurence Olivier. Elenco: Richard Wattis, Marilyn Monroe, David Horne, Jeremy Spenser, Sybil Thorndike, Laurence Olivier.

Sinopse: Elsie é uma corista que, em 1911, durante as festas do coração na Grã-Bretanha, se envolve com um príncipe de país fictício. O flerte acaba se transformando em algo mais sério.

Comentários: Na sua ânsia de provar que era boa atriz, Marilyn produziu esta comédia que é uma adaptação da peça de sucesso de Terence Rattigan, que Olivier havia feito na Inglaterra com sua mulher Vivien Leigh. Chamou o super prestigiado Olivier para dirigir e estrelar a seu lado, e surpreendentemente resultou bem, apesar dos conflitos de filmagem (que pode conferir no filme em cartaz ). Marilyn é uma boa comediante que funciona no papel da corista. Na fita, Marilyn perdeu alguns de seus piores maneirismos, por exemplo falar sempre sussurrando. ou deixar sempre a boca aberta, porque lhe disseram que assim fotografava melhor. Bem produzido, sempre teatral e agradável, não chega a ser um clássico mas é uma boa diversão.

A  Maratona da Morte/ Marathon Man. 1976. Diretor: John Schlesinger. Elenco: Dustin Hoffman, Laurence Olivier, Marthe Keller, Roy Scheider, William Devane

Sinopse: Um estudante que tem paixão por maratonas, descobre que o irmão está envolvido em espionagem. Quando ele é assassinado, tem que fugir.

Comentários: Um daqueles filme complicados e cheios de reviravoltas, onde a gente nunca sabe para onde está sendo conduzido. Aos poucos as peças vão se ajustando até formar uma trama de crime e traição na melhor tradição do gênero thriller. É um roteiro do grande William Goldman (“Butch Cassidy”), inspirado em livro de sua autoria. Há momentos fortes: o ataque do chinês no quarto do hotel, o assalto ao heróis quando ele está nu e indefeso na banheira, a bela jogada na Ópera de Paris e naturalmente várias maratonas para justificar o título. Mas certamente a sacada inesquecível é a tortura na cadeira do dentista. Realização impecável, num filme de suspense e ação de primeira classe.

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Há algumas razões porque fui assistir o musical de rock Rock of Ages.

1) Kristin Hanggi chegou a ser indicada ao Tony de melhor diretora de musical em 2009 e desde então continua a ser sucesso na Broadway.

2) Estreia ainda neste verão americano e já vi até o trailer da versão para o cinema do show, que é estrelado surpreendentemente por Tom Cruise. Na sessão que eu estava chegaram até a sortear um ingresso para a estreia de gala, que naturalmente não ganhei!

3) agora dia 23 deste mês será o lançamento em São Paulo de um Almanaque de Rock, do qual eu escrevi o longo prefácio. Ou seja, de agora em diante sinto-me na obrigação de acompanhar também e com mais cuidado os filmes do gênero.

O fato é que o show também é o único exibido nos domingos às sete e meia da noite, ou seja, não concorre com nada e está em cartaz no pequeno e simpático Teatro Helen Hayes (que depois disso vai ter que passar por uma reforma).  

E no final das contas, acabei gostando, é divertido, lembra mesmo The Book of Mórmons porque tem o mesmo estilo de humor, a completa farsa, primeiro debochando de tudo, mas no fundo com poucas ousadias (palavrões em fartura mas não tem nudez, para eles um tabu, drogas de passagem mas qualquer filme americano tem isso). Ou seja, a técnica é no começo pegar pesado e dar a impressão de que vai ser um show pesado e revelador. Nada disso, é apenas uma brincadeira, extremamente bem interpretada por um elenco desconhecido. É incrível a qualidade dos atores, todos perfeitos humoristas e excelentes cantores (que não deixam de fazer o belting tão querido da Broadway).

O show parte do principio de usar canções do Whitesnake e de outros grupos dos anos 80, a era Reagan (e já avisam que Deff Lepard não liberou seus trabalhos). Tem um narrador que também é o cara do som (parece que este seria o papel de Cruise, mas não sei muito sobre o filme, confesso) e que provoca as melhores piadas e basicamente cria a situação romântica.

Um aspirante a compositor (Justin Martin Sargent) se apaixona pela moça que chega do interior (Ashley Spencer), mas não sabe conquistá-la e esta cai nas garras de um roqueiro famoso (que depois a despreza e ela vai ser stripper!).

Há também um capitalista alemão que deseja destruir a casa de rock (que fica na Sunset Strip) mas no fundo todo mundo é bonzinho, no fundo quer amar e ser amado. A cara feia do começo era pura fachada para o passatempo (a sala estava cheia de velhos e nenhum se horrorizou ou saiu no meio, ao contrário, tudo foi recebido com alegria e ovação. Ou seja, até os roqueiros ficam velhos).

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Já falamos aqui do ator John Lithgow quando comentei sobre seu livro autobiográfico Drama: an Actor’s Education. Mas eu nunca tinha visto este ator tão premiado (2 Tonys, 2 Globos de Ouro, 2 indicações ao Oscar, 5 Emmys ,4 indicações ao Grammy) numa performance ao vivo. Essa é a razão porquê eu fui assistí-lo na peça The Columnist (O Colunista), escrita por David Auburn e pela qual ele foi novamente indicado ao Tony.

O Mr. Auburn ganhou prêmios porque foi consagrado com a peça anterior, Proof (Prova), filmado com Gwyneth Paltrow que o habilitou mesmo até a dirigir filmes The Girl in the Park e roteiros como The Lake House, com Sandra Bullock. O problema é que esta é sua primeira peça na Broadway desde então mais de 10 anos atrás.. E ainda por cima não é lá essas coisas...

Ela está sendo apresentada no teatro non-profit (não lucrativo) Manhtattn Theatre Club (antigo Biltmore) e para mim teve um bônus inesperado. Só na hora descobri que quem estava no elenco é Grace Gummer, que é justamente a filha de Meryl Streep, que esta tentando fazer carreira como atriz (tem filmes novos agora Meskada e outro ainda sem título de Noah Baumbach). Não deve ser nada fácil ser filha da atriz mais elogiada e premiada de sua geração, e, além de tudo, uma mulher que sempre foi considerada bonita e atraente.

Não se pode dizer a mesma coisa de Grace, que tem o rosto largo como uma coruja. Não se sai mal em cena, mas não tem a luz da mãe e se for esperta vai procurar outro caminho.

Os críticos americanos gostaram de comparar os problemas do autor com o do personagem, que é uma figura real, um colunista político de Washington que se chamava Joseph Alsop e foi extremamente importante. E de quem hoje ninguém mais se lembra, nem de suas opiniões extremadas, principalmente porque foi a vida inteira a favor da guerra do Vietnã.

John Lithgow procura interpretá-lo com óculos redondos que o deixa com cara de Harry Potter, mas lhe dá a maior humanidade possível, considerando que ele não era nenhuma simpatia. Egocêntrico, arrogante, era íntimo apenas de um irmão mais novo (que morreu mais cedo e fugiu de seu controle).

O filme começa e concluiu com um encontro que ele tem primeiro na Rússia, com um rapaz com quem tem um encontro sexual (Alsop era homossexual, mas fez questão de se casar com uma mulher que tinha uma filha que ajudou a criar). É evidente que ele é espião da KGB. Mas também um bom caráter como irá se revelar anos depois na cena final.

Para Lithgow, ao menos serviu para criar uma boa interpretação. Mas o verdadeiro problema é outro: por que contar esta história sobre um sujeito desprezível que ficaria melhor esquecido (a peça ao contrario de muitos filmes não dá explicação sobre que fim ele levou, quando e de que morreu). Como diziam os gaúchos, porque tanta vela por um mau defunto?

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Não sou eu só quem diz, está em toda parte e corri para assistir porque estava curioso. A verdade é que eu gosto, assumo, de filmes de lutas marciais, desde que originais e bem feitos e este aqui é o mais bem lutado dos últimos anos. Admiro muito a engenhosidade dos coreógrafos dessas lutas, que parecem para valer, mas demonstram a incrível pericia, coragem desses atletas.

O diferencial aqui é que são todos grandes lutadores e vieram do lugar menos esperado, justamente da Indonésia. O filme a que estou me referindo se chama The Raid - Serbian Maut (o titulo original quer dizer Invasão Mortal!) e não é uma continuação, ao contrário, agora que está sendo feita esta sequência e vai ser chamar Berandal (ao mesmo tempo que os americanos estão preparando a versão local).

É curioso que quando entrei na sala a bilheteria me preveniu é versão original com legendas, não tem problemas? Aliás, como já esta sucedendo no Brasil onde cada vez é mais comum filme dublado em português.

Bom, isso é outra historia, aqui quero elogiar esse filme inacreditável a partir da aparência dos atores (sai com a certeza que foram os indonésios que em priscas eras colonizaram o norte do Brasil!).

Acostumado com chineses e japoneses, onde todos são mais ou menos parecidos, aqui há uma variante incrível de tipos. Embora a história de policiais corruptos seja também parecida com a nossa.

 Um esquadrão tipo SWAT, se prepara para invadir um velho prédio com inquilinos onde no alto habita o maior dos traficantes de droga. A polícia vai entrando, mas é denunciada e logo se descobre que aquela missão já estava destinada a fracassar. E para complicar, o herói do filme - Iko Uwais- tem dentro da organização, como segunda pessoa justamente seu irmão!

E o chefão de tudo claro que é traidor. Nada disso, porém, tira o poder das cenas de brigas e lutas, que mesmo sendo pobres de recurso são brilhantes de execução e imaginação. Nada daquelas coisas voadoras de Hong Kong, aqui é na porrada mesmo, em que eles entram entusiasmados gritando e pulando, às vezes bem violento.

O filme é da Sony Classics que no Brasil tem a mania de esconder seus títulos em Home Vídeo, espero que tenham o bom senso de fazer um bom lançamento deste já nascido cult. Aliás, guardem o nome do diretor que esse ainda vai dar o que falar: o gales Gareth Evans!

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